Za Ballet Histoire Modes Méthodes techniques d'enseignement du ballet

Za Ballet
1. Histoire
2. Modes
3. Méthodes techniques d'enseignement du ballet
Le ballet ( français: [balɛ] ) est un type de danse de performance qui a pris naissance pendant la Renaissance italienne au XVe siècle et s'est ensuite développé en une forme de danse de concert en France et en Russie . Elle est devenue depuis une forme de danse répandue et très technique avec son propre vocabulaire. Le ballet a eu une influence mondiale et a défini les techniques fondamentales qui sont utilisées dans de nombreux autres genres et cultures de danse. Diverses écoles à travers le monde ont intégré leurs propres cultures. En conséquence, le ballet a évolué de manière distincte.
Un ballet en tant qu'œuvre unifiée comprend la chorégraphie et la musique d'une production de ballet. Les ballets sont chorégraphiés et interprétés par des danseurs de ballet formés. Les ballets classiques traditionnels sont généralement exécutés avec un accompagnement de musique classique et utilisent des costumes et une mise en scène élaborés, tandis que les ballets modernes sont souvent exécutés dans des costumes simples et sans décors ou décors élaborés.
Étymologie
Ballet est un mot français qui tire son origine de l'italien balletto, un diminutif de ballo (danse) qui vient du latin ballo, ballare, signifiant "danser", qui à son tour vient du grec "βαλλίζω" (ballizo), "to danser, sauter". Le mot est entré dans l'usage anglais du français vers 1630.
Histoire
Le ballet est né dans les cours de la Renaissance italienne des XVe et XVIe siècles. Sous l'influence de Catherine de Médicis en tant que reine, elle s'est propagée en France, où elle s'est encore développée. Les danseurs de ces premiers ballets de cour étaient pour la plupart de nobles amateurs. Les costumes ornés étaient destinés à impressionner les spectateurs, mais ils restreignaient la liberté de mouvement des interprètes.

Les ballets étaient exécutés dans de grandes salles avec des spectateurs sur trois côtés. La mise en œuvre de l'arc de scène à partir de 1618 sur des artistes éloignés des membres du public, qui pourraient alors mieux voir et apprécier les prouesses techniques des danseurs professionnels dans les productions. [citation nécessaire]

Le ballet de cour français a atteint son apogée sous le règne du roi Louis XIV. Louis a fondé l'Académie Royale de Danse (Académie Royale de Danse) en 1661 pour établir des normes et certifier des professeurs de danse. En 1672, Louis XIV nomme Jean-Baptiste Lully directeur de l'Académie Royale de Musique (Opéra de Paris) dont est issue la première compagnie de ballet professionnelle, le Ballet de l'Opéra de Paris. Pierre Beauchamp a été le maître de ballet de Lully. Ensemble, leur partenariat influencerait considérablement le développement du ballet, comme en témoigne le crédit qui leur est attribué pour la création des cinq positions principales des pieds. Dès 1681, les premières "ballerines" montent sur scène après des années de formation à l'Académie.

Le ballet a commencé à décliner en France après 1830, mais il a continué à se développer au Danemark, en Italie et en Russie. L'arrivée en Europe des Ballets russes dirigés par Sergueï Diaghilev à la veille de la Première Guerre mondiale ravive l'intérêt pour le ballet et ouvre l'ère moderne. Au XXe siècle, le ballet a eu une large influence sur d'autres genres de danse. Au XXe siècle également, le ballet a pris une tournure le divisant du ballet classique à l'introduction de la danse moderne, conduisant à des mouvements modernistes dans plusieurs pays.

Parmi les danseurs célèbres du XXe siècle figurent Anna Pavlova, Galina Ulanova, Rudolf Noureev, Maya Plisetskaya, Margot Fonteyn, Rosella Hightower, Maria Tall Chief, Erik Bruhn, Mikhail Baryshnikov, Suzanne Farrell, Gelsey Kirkland, Natalia Makarova, Arthur Mitchell et Jeanne Devereaux. . Jeanne Devereaux a joué le rôle de danseuse étoile pendant trois décennies et a établi un record du monde en étant capable d'exécuter 16 triples fouettes.
Modes
Les variations stylistiques et les sous-genres ont évolué au fil du temps. Les premières variations classiques sont principalement associées à l'origine géographique. Des exemples en sont le ballet russe, le ballet français et le ballet italien. Les variations ultérieures, telles que le ballet contemporain et le ballet néoclassique, intègrent à la fois le ballet classique et des techniques et mouvements non traditionnels. Le style de ballet le plus connu et le plus joué est peut-être le ballet romantique tardif (ou Ballet blanc).
Ballet classique
Le ballet classique est basé sur la technique et le vocabulaire du ballet traditionnel. Différents styles ont émergé dans différents pays, tels que le ballet français, le ballet italien, le ballet anglais et le ballet russe. Plusieurs des styles de ballet classique sont associés à des méthodes d'entraînement spécifiques, généralement nommées d'après leurs créateurs (voir ci-dessous). La méthode Royal Academy of Dance est une technique de ballet et un système de formation qui a été fondé par un groupe diversifié de danseurs de ballet. Ils ont fusionné leurs méthodes de danse respectives (italienne, française, danoise et russe) pour créer un nouveau style de ballet unique à l'organisation et reconnu internationalement comme le style de ballet anglais. Quelques exemples de productions de ballet classique sont : Swan Lake, The Sleeping Beauty et The Nutcracker.
Ballet romantique
Le ballet romantique était un mouvement artistique du ballet classique et plusieurs productions restent aujourd'hui dans le répertoire classique. L'ère romantique a été marquée par l'émergence du travail de pointe, la domination des danseuses et des tutus plus longs et fluides qui tentent d'illustrer la douceur et une aura délicate. Ce mouvement s'est produit du début au milieu du XIXe siècle (l'ère romantique) et a présenté des thèmes qui mettaient l'accent sur l'émotion intense comme source d'expérience esthétique. Les intrigues de nombreux ballets romantiques tournaient autour de femmes spirituelles (sylphes, wilis et fantômes) qui asservissaient le cœur et les sens des hommes mortels. Le ballet La Sylphide de 1827 est largement considéré comme le premier, et le ballet Coppélia de 1870 est considéré comme le dernier. Les danseurs de ballet célèbres de l'époque romantique incluent Marie Taglioni, Fanny Elssler et Jules Perrot. Jules Perrot est également connu pour ses chorégraphies, notamment celle de Giselle, souvent considérée comme le ballet romantique le plus célèbre.
Ballet néoclassique
Le ballet néoclassique est généralement abstrait, sans intrigue, costumes ou décors clairs. Le choix musical peut être varié et inclura souvent de la musique qui est également néoclassique (par exemple Stravinsky, Roussel). Tim Scholl, auteur de From Petipa to Balanchine, considère l'Apollon de George Balanchine en 1928 comme le premier ballet néoclassique. Apollo représentait un retour à la forme en réponse aux ballets abstraits de Sergei Diaghilev. Balanchine a travaillé avec la chorégraphe de danse moderne Martha Graham et a amené des danseurs modernes dans sa compagnie comme Paul Taylor, qui en 1959 a joué dans les épisodes de Balanchine.

Alors que Balanchine est largement considéré comme le visage du ballet néoclassique, d'autres ont apporté des contributions importantes. Symphonic Variations (1946) de Frederick Ashton est une œuvre phare pour le chorégraphe. Sur la partition du même titre de César Franck, il s'agit d'une interprétation pure danse de la partition.

Une autre forme, le ballet moderne, est également apparue comme une émanation du néoclassicisme. Parmi les innovateurs sous cette forme figuraient Glen Tetley, Robert Joffrey et Gerald Arpino. Bien qu'il soit difficile d'analyser le ballet moderne du néoclassicisme, le travail de ces chorégraphes a favorisé un plus grand athlétisme qui s'écartait de la délicatesse du ballet. Le physique était plus audacieux, avec une ambiance, un sujet et une musique plus intenses. Un exemple de ceci serait Joffrey's Astarte (1967), qui présentait une partition rock et des connotations sexuelles dans la chorégraphie.
Il existe six méthodes largement utilisées et internationalement reconnues pour enseigner ou étudier le ballet. Ces méthodes sont l'école française, la méthode Vaganova, la méthode Cecchetti, la méthode Bournonville, la méthode Royal Academy of Dance (style anglais) et la méthode Balanchine (style américain). De nombreuses autres écoles de technique existent dans divers pays.

Bien que les enfants d'âge préscolaire soient une source de revenus lucrative pour un studio de ballet, l'enseignement du ballet n'est généralement pas approprié pour les jeunes enfants. [échec de la vérification] L'instruction initiale nécessite de rester immobile et de se concentrer sur la posture, plutôt que de danser. Pour cette raison, de nombreux programmes de ballet n'ont historiquement pas accepté d'élèves avant l'âge d'environ 8 ans. Les mouvements créatifs et les cours de pré-ballet non exigeants sont recommandés comme alternatives pour les enfants.

Méthode française
La méthode française est la base de toute formation de ballet. Lorsque Louis XIV crée l'Académie Royale de Danse en 1661, il contribue à créer la technique codifiée encore utilisée aujourd'hui par les professionnels, quelle que soit la méthode de formation à laquelle ils adhèrent. L'école française a été particulièrement revitalisée sous Rudolf Noureev, dans les années 1980. Son influence a revitalisé et renouvelé l'appréciation de ce style et a radicalement façonné le ballet dans son ensemble. En fait, l'école française est maintenant parfois appelée école Noureev. La méthode française se caractérise souvent par la précision technique, la fluidité et la grâce, et les lignes élégantes et épurées. Pour ce style, un jeu de jambes rapide est souvent utilisé afin de donner l'impression que les interprètes dérivent légèrement sur la scène. Deux marques importantes de cette technique sont la manière spécifique dont le port de bras et l'épaulement sont exécutés, plus arrondis que lors de la danse à la russe, mais pas aussi arrondis que le style danois.
Méthode Vaganova
La méthode Vaganova est un style de formation de ballet issu du ballet russe, créé par Agrippina Vaganova. Après avoir pris sa retraite de la danse en 1916, Vaganova s'est tournée vers l'enseignement à l'École chorégraphique de Leningrad en 1921. Sa méthode de formation est maintenant reconnue internationalement et son livre, The Fundamentals of Classical Dance (1934), est une référence classique. Cette méthode est marquée par la fusion du style français classique, en particulier des éléments de l'époque romantique, avec l'athlétisme de la méthode italienne et la passion émouvante du ballet russe. Elle a développé une méthode d'enseignement extrêmement précise dans son livre Principes de base de la danse classique russe (1948). Cela comprend la description du moment où enseigner les composants techniques aux étudiants dans leur carrière de ballet, pendant combien de temps se concentrer dessus et la bonne quantité de concentration à chaque étape de la carrière de l'étudiant. Ces manuels continuent d'être extrêmement importants pour l'enseignement du ballet aujourd'hui.

La méthode met l'accent sur le développement de la force, de la flexibilité et de l'endurance pour la bonne exécution du ballet. Elle a épousé la conviction qu'une importance égale doit être accordée aux bras et aux jambes lors de l'exécution du ballet, car cela apportera une harmonie et une plus grande expression au corps dans son ensemble.