Lenguaje del sonido

DUOC UC − VIÑA DEL MAR

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LENGUAJE DEL SONIDO

FECHA ENTREGA: 24/5/2000

COMPOSITORES MUSICA DOCTA RUSOS

INDICE

Que es Música Clásica 3

Breve Historia de la Música Clásica 3

Medieval 3

Renacimento 4

Barroco 4

Clásico 5

Primer Romántico 5

Segundo Romántico 6

Los Años de las Post−Guerra 7

Música Docta Rusa 7

Introducción 7

La Escuela Rusa 8

Nacionalitas 12

Compositores Nacionalistas Rusos 12

Los Cinco 14

Otros Nacionalistas  18

Musica Docta Rusa Del Siglo XX 24

Post Modernistas 24

Otros Modernistas 25

1

Otros Compositores Rusos del Siglo XX 28

Paralelo con el Folklore Ruso 29

Antecendentes del folklore ruso 29

Algunas Precisiones Musicales 32

Instrumentos Populares Rusos 32

Comparación 34

ANEXO − Categorías Musicales Clásicas 35

Bibliografía 37

¿Qué es Música Clásica?

El término música clásica tiene muchos significados: música de la época clásica (período de Mozart,

Beethoven, etc.); música ancestral china antes de las influencas del mundo occidental: o el sinónimo de

música artística, en contraste con la popular o folklórica. Esta última es la que llamamos música clásica

o música docta, que comprende todos los períodos de la música (desde la Edad Media) hasta nuestros

dias y es en la cual enfocaremos nuestro trabajo.

Breve Historia de la Música Clásica

Hemos visto como compositores a través de los años han escrito en una amplia variedad de estilos, y para una

aún más grande variedad de instrumentos musicales y las combinaciones de ambos, para ser concretos. Pero,

exactamente... ¿cómo esta montaña de material musical nació y cómo todo se relaciona? El siguiente resumen

nos permite visualizar la hitoria de la música, desde sus comienzos con el canto Gregoriano, hasta hoy,

nombrando también de paso, los más conocidos compositores de este tipo de música: la clásica o música

docta.

Medieval (1150 − 1400)

• 

2

Este es el primer período en que podemos conocer con exactitud la música de la época y cómo ésta sonaba. La

primera música secular escrita se remonta a los trobadores del siglo XII, pero los manuscritos más notables

emanaron de lugares de aprendizaje usualmente conectados de alguna forma con la iglesia, por ésto,

inevitablemente la música medieval tiene bases religiosas.

Cantos Gregorianos y Melodías Planas, que son monofónicas (escritas como una línea musical) gradualmente

se desarrollaron durante los siglo XI, XII y XIII hasta llegar al Organum (dos o tres lineas musicales

moviéndose simultaneamente pero independientemente, por lo tanto casi innadvertidamente representando los

inicios de la armonía musical). El Organum estaba, empero, inicialmente enmarcado por rígidas leyes de la

melodía y el ritmo, que al final lo llevaron al muy renombrado período Ars−Nova (o arte nuevo) del siglo

XIV, principalmente representado por compositores como De Vitry, Machaut y Landini.

Renacimiento (1400 − 1600)

• 

El siglo XV fue testigo de una variedad creciente de libertades, particularmente en términos de lo que

realmente se percibía de la armonía y la polyfonía (las tendecias simultaneas de movimiento de dos o tres

partes interrelacionadas entre sí). Los compositores (aunque apenas se les percibía como tales) estaban aún

casi enteramente devotos a escribir música coral, y pocas composiciones instrumentales han sobrevivido para,

comunmente, crear la impresión (en muchos caso muy certera) de ser trabajos vocales en desgracia, pero sin

las palabras.

Hay, obviamente, una variedad textural y de contraste, por eso, por ejemplo, una parte particular de la

composición era subrayada por una parte vocal cayendo momentaneamente, sólo volviendo en momentos

especiales para dar énfasis. Los cuatro más influyentes compositores del siglo XV eran: Dunstable,

Ockeghem, Despres and Dufay.

La segunda parte del siglo XVI fue testigo de los comienzos de la tradición que muchos amantes de la música

asocia con la percpción comun de la música clásica. Gradualmente, los compositores de alejaron del sistema

armónico, que había predominado por más de 300 años (y todavía suena arcaico para algunos oídos

modernos), hacia la organización de susu trabajos en mayores y menores escalas, impartiendo así la fuerte

sensación de que cada pieza tenía un tono central definitivo o llave.

Este fue también una época dorada para la composición coral, en un fluir sin fin de la capela (sin

acompañamiento), misas, motetos, himnos, salmos y madrigales que florecieron desde los lápices de los

maestros de la época. En adición, la música instrumental nació como una sóla por primera vez, especialemte

la música de teclado en formas de fantasías, variaciones y bailes movidos. Los compositores de notación

particular incluyen a Dowland, Tallis, Byrd, Gibbons, Frescobaldi, Palestrina, Victoria, Lassus, Lobo,

Cardoso and Gesualdo.

Barroco (1600 − 1750)

• 

Durante el período Barroco, los logros obtenidos duraron 300 años después de expresión musical: la idea de la

orquesta moderna nacía, en conjunto con la Opera (incluyendo la overtura, preludios, aria, recitativo y coros),

el concierto, la sonata, etc. La delgada familia de las cuedas de violas del Renacimiento, gradualmente se

conviertieron en violines más gruesos, violas y chelos, el arpa fue inventada, e importantes avances se

hicieron en todos los grupos instrumentales.

Hasta el 1700, los viejos modos musicales se mostraban de vez en cuando al colorear ciertas lineas melódicas

o progresiones vocales, pero desde el principio del siglo XVIII la moderna armónica basada en escalas altas y

bajas se usaba en toda Europa. La música coral ya no dominaba, y a medida que los compositores cada vez

escribían más trabajos instrumentales idiomáticos para semblanzas de creciente color y variedad, la llamada

música clásica (en oposición con popular) gradualmente se hizo camino en la sociedad, siendo tocada al aire

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libre, en fiestas y funciones especiales, o como espectáculos en formas de ópera. En un nivel puramente

doméstico, todas las damas de buen estatus tendrían a instrumento para tocar, y a las horas de comida las

grandes y ricas mansiones contrataban músicos para tocar los que popularmente se llamaba tafelmusik (o

música de mesa) en Alemania, entre los cuales Telemann fue quizás el compositor más famoso.

De los muchos compositores del siglo XVII que pasaron por esta explosión de la música docta, los siguientes

fueron increíbles: Monteverdi, Corelli, Alessandro Scarlatti, Schutz, Buxtehude, Purcell y Lully. Aún, los

compositores más populares de este período, aquellos que parecen definir por sus mismos nombres el

verdadero sonido de la música barroca en su mayor colorido y sofisticación son: Johann Sebastian Bach,

Handel, Telemann, Rameau, François Couperin, Domenico Scarlatti, y Vivaldi, todos ellos estubieron en su

máxima expresión creativa durante la primera mitad del siglo XVIII.

Clásico (1750 − 1830)

• 

La era Barroca, fue testigo de la creación de un número de géneros musicales que mantendrían una pauta en la

composición en años aún por venir, es más, fue el período clásico quien vió la introdución de una forma

musical que ha dominado la composición instrumental hasta la actualidad: la sonata. Con ella vino el

desarrollo del concierto moderno, de la sinfonía, del trio y cuarteto a un nuevo nivel de estructuración y

refinamiento expresivo. Si la música del Barroco es notable for su estructura intrínse, entonces el período

Clásico se caracteriza por una casi obsesión por la claridad estructural.

La semillas de la era Clásica fueron plantadas por un npumero de compositores cuyos nombres ahora están

largamente olvidados como Schobert y Honnauer (ambos alemanes que trabajaron en París), como también

por nombres históricamente más respetados, incluyendo Gluck, Boccherini y los últimos tres hijos de Johann

Sebastian Bach: Carl Phillip Emmanuel, Wilhelm Friedmann y Johann Christian (el llamado 'Londres' Bach).

Ellos fueron representantes de un período que es variadamente describido como rococó, implicando un

alejamiento gradual del artificio del Alto Barroco, el más tarde estilo novelezco basado en simetría y

sensibilidad, que vino a dominar la música en la segunda mitad del siglo XVIII mediante dos compositores de

significancia extraordinaria: Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

Primer Romántico (1830 − 1860)

• 

A medida que la época clásica llegaba a su total desarrollo, se veía crecientemente claro (especialmente con

los últimos trabajos de Beethoven y Schubert) que la cantidad y la intensidad de los compositores

expresionistas que buscaban alcanzar ir más allá de lo clásicamente designado orquesta/piano, podrían

posiblemente lograr. El siguiente período en la historia de la música entonces, encontró compositores tratando

de balancear la expresividad y la formalidad de la música con una serie de aproximaciones que pudieron dejar

a los compositores de cualquier época anterior disgustados. A medida que el mapa musical se habría, con

escuelas nacionalistas comenzando a surgir, fue la búsqueda por originalidad e individulidad de expresión que

comenzó aquí, y que luego sería una obsesión sobre−manejada en el siglo XX.

La era Romántica fue la edad dorada para el virtuoso, dónde la más dificultosa música sería performada con

una facilidad increíble, y el tema más innocuo en composición sería desarrollado en gran escala para el

disfrute de la aduladora audiencia. El rango emocional de la música durante este período fue aumentado,

como lo fue su vocabulario armónico y el rango y número de instrumentos que eran considerandos para ser

tocados. La música comunmente cuenta con un programa adjunto a ella, algunas veces de una naturaleza

desvanecedora o trágica, ocasionalmente representando tal fenómeno natural como rios o caballos al galope.

Los siguientes cien años encontrarían compositores acuñando con todo su corazón los ideales del

romanticismo, o en alguna forma reaccionando en contra de ellos.

De los compositores del Romántico Temprano, dos nacionalistas merecen una mención especial, el ruso

Glinka y el bohemio Smetana. De todas formas, los seis líderes de esta época fueron: Berlioz, Chopin,

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Mendelssohn, Schumann, Liszt y Verdi.

Segundo Romántico (c.1860 − c.1920)

• 

Con las excepciones honorables de Brahms y Bruckner, los compositores de este período compartían la

tendencia general hacia dejar su inspiración fluir naturalmente, libremente, a menudo marcando sus

composiciones más en términos de contenido emocional y continuidad dramática que el crecimiento orgánico

estructural. Esta fue una era alumbrada por la extraordinaria aparición rápidamente de las escuelas

nacionalistas, y la supremacía operaria de Verdi y Wagner. El eventual término del Romanticismo vino con la

fragmentación del estilo básico, los compositores pertenecientes a escuelas de composición, cada una de ellas

con estilos que estuvieron de moda sólo por un corto período de tiempo.

Es un período muy rico en nombres famosos de compositores, por ésto hemos decidido nombrar sólo los que

nos conciernen a nosotras: los rusos.

Rusia

De todos los países que lograron reconocimiento internacional de composición durante el siglo XIX, ninguno

se hacerca a la extrordinaria aparición de talentos como Rusia en la segunda mitad del siglo. Desde 1860 en

adelante una rama de atractivos e inspiradoras composiciones fluyeron de los lápices de la escuela de San

Petersburgo que incluía nombres como Alexander Borodin (1833−1887), Mily Balakirev (1837−1910)

compositor de Islamey y lider del grupo conocido como 'Los Cinco', Nikolay Rimsky−Korsakov (1844−1908)

el compositor de Sheherazade, y Modest Mussorgsky (1839−1881) famoso por Cuadros en una exhibición y

Noche en Monte Calvo.

Pre−eminente, fue el moscovita Peter Tchaikovsky (1840−1893), posiblemente el más popular de los

compositores románticos y responsable por tan amadas obras de arte como los balets El Lago de los Cisnes,

Cascanueces y La Bella Durmiente, también como por sus overturas de 1812 y de Romeo y Julieta. La

tradición de San Petersburgo fue luego principalmente sostenida por Alexander Glazunov (1865−1936),

siguiendo la herencia de Tchaikovsky: Alexander Scriabin (1872−1915) en sus primeros años, y en

particularel último de los grandes románticos, Sergey Rachmaninov (1873−1943).

Los Años de la Post Guerra (1920 hasta el presente)

• 

El período desde la Primera Guerra Mundial es sin dudas en más alocado de todos, a medida que los

compositores se separaron en varias y aparentemente contradictorias direcciones opuestas. Típico del dilema

de los años entre las guerras, por ejmeplo, son los austríacos, Webern y Lehar, el primero estaba

experimentando con grandes compresiones y formas avanzadas llamadas estructura en serie, mientras

simultáneamente Lehar estaba aún trabajadno en un estilo de pequeña ópereta que no parecía fuera de lugar

medio siglo después.

Tan diversoso son los estilos adoptados a lo largo del siglo XX que sólo por experimentación los escuchas

podemos descubrir por nosotros mismos si ciertos compositores son a nuestro gusto particular o no.

MÚSICA DOCTA RUSA

Introducción

Ya que los instrumentos musicales estaba prohíbidos en los servicios religiosos Ortodoxos, la música rusa y

consequentemente la opera estubieron retrasadas en su desarrollo como formas de arte hasta tiempos más

recientes. Típicamente, los coros rusos cantaban sin acompañamiento excepto por el ocasional sonido de un

tambor. La música vocal secular no se desarrolló hasta los 1800s. Desde entonces las operas rusas, las

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sinfonías, las composiciones instrumentales, y canciones artísticas en general, han florecido. La mayoría se

basa en patrones melódicos y rítmicos de la música folklórica rusa y temas nacionalistas. Los últimos fueron

particularmente demarcados durante el período Soviético.

El instrumento folklórico más ancestral era un tipo de zítara, el gusli. Otros instrumentos de cuerda

tradicionales son: la domra, gudok, y la balaika. Este último, triagular, con tres cuerdas , con un corto cuello y

muy popular durante los 1800s en los salones de ciudad como en el campo. Los instrumentos de viento

incluían la dudka y el suirel (ambos como flauta).

La música rusa maduró en 1836 con Una Vida para el Czar de Mikhail Glinka, luego llamada 'Ivan Susanin'.

Glinka tambien produjo un cuento de hadas musical basado en el poema de Pushkin 'Ruslan and Lyudmila'

(1842), pero las operas de Glinka's contienen muchos ejemplos de estilo italiano.

La escuela rusa nacionalista fue fundada por Modest Musorgski con la producción de la ópera 'Boris

Godunov' (1869). Musorgski era uno del grupo que luego los críticos llamaron Los Cinco . Este grupo incluía

a: Mili Balakirev, Nikolai Rimski−Korsakov, Aleksandr Borodin, y Cesar Cui. Balakirev se destacó por su

música clásica de influencia floklórica. Rimski−Korsakov desarrolló el orientalismo a su perfección con sus

óperas de cuentos de adas y en la brillante suite sinfónica 'Sheherazade'. Borodin siguió los mismos pasos en

su ópera 'Principe Igor'. Cui compuso formas perqueñas.

No es miembro de Los Cinco, pero el compositor ruso más famaso es Peter Ilich Tchaikovsky, quien hizo la

bien conocida Overtura de 1812, y muchos otros trabajos, incluyendo sinfonías, poemas simfónicos, operas,

balets, conciertos, y piezas para piano. Indiscutiblemente ruso, con influencia Tchaikovscoviana, es el

liricismo melancólico perpetuado por en la música de Sergei Rachmaninoff, el último de los compositores

romásnticos rusos.

Compositores famosos rusos del siglo XX son: Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Nikolai Miaskovsky,

Nikolai Medtner, Aleksandr Scriabin y Dimitri Shostakovich. Stravinsky, empero, vivió en Francia y en los

Estados Unidos en la mayor parte de su vida creativa. Prokofiev dejó Rusia en 1918 después de conducir su

primera actuación en su ya conocido Sinfonía Clásica. No volvió ha quedarse en Rusia hasta 1932.

Shostakovich compuso 15 sinfonías y dos óperas, alguna de las cuales recibieron una fuerte crítica por no

seguir la linea del realismo socialista.

La Escuela Rusa

Primer periodo

• 

Después de Pedro el Grande, todo el arte erúdito, oficial, estaba confiado a los extranjeros, italianos, alemanes

y algunas veces franceses.

Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las demás artes y al conjunto de la vida

cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexandr Pushkin, el máximo poeta ruso, confesará: La

lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la nuestra.

El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían de

capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba de

amores culpables: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión de poca

categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después de haber

hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que los cocheros no

cantaban otra cosa en la calle.......

Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos a

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volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos en

sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a mojar sus temas en

una salsa a la moda italiana. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la hará más tarde

Glinka: Somos autores de arreglos al servicio del pueblo, y la música rusa, en estas condiciones, tuvo muchas

dificultades para sus títulos de nobleza.

Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa.

En efecto, Glinka, con su Iván Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios

en algunos jóvenes y en la persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el

camino nacionalista trazado por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de

atracción, el confidente y el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev,

Cesar cui, Borodín, Musorgsky y Rimski−Korsakov: el célebre grupo de los cinco.

Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el

signo de una fórmula grata a Glinka: Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir el

canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente. El segundo período será el del grupo de los Cinco y de

Tchaikovsky.

Segundo Período

• 

Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto, entre

los eslavófilos y los occidentalista.

Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona; desconfían de las importaciones occidentales, que no

responden a los aspectos del alma eslava, y juzgan que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo

suficientemente rico para bastarse a sí mismo.

Los occidentales, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su ventana

abierta sobre Europa, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este conflicto

aparecerá también en la música rusa.

Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven generación.

La Revolución francesa primero, la revuelta de los decabristas seguidamente han producido sus frutos: reina

un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición de la

servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo entre los

absolutistas y los  liberales, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud; algunos (como

Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.

Finalmente, una pregunta maldita atormenta al ruso de 1860: la de la utilidad práctica y social de su propia

existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse entre la

categoría de los hombres en número excesivo, de los Oblómov. El hombre es un animal sociable, y no podría

ser otra cosa declara Musorgski: debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de la sociedad el sólo objeto

constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para la mayor gloria de la suma

humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se apasiona por Proudhon y por

una novela filantrópica de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?...

En resumen, idealistas y materialistas populistas se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en

el arte, en la música...

Situación Musical

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No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechosos de

parcialidad: La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo

escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y

porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios sobre

la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música, más que

cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda, de Piccini,

Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de profundidad. Se

era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras. No quería

reconocer a la música una misión seria...

No había conservatorio en Rusia, por falta de clientela: a los nobles les repugnaba transformarse en

historiadores, y, en cuanto a los demás... nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un mínimo

de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las cosas, los

jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de Dargomijski, el

primero de los grandes empíricos rusos, precursor de tantos otros, empezando por los miembros del grupo de

los Cinco.

Dos Clanes Rivales

Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundados el grupo de los Cinco y el primer

conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.

Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por

parte de los nacionalista eslavofilos. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil

recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener en

cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un alemán

rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de inflamar a sus

alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la música terminaba con

Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no eran otra cosa que

salvajes. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de conservatorios,

empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista. Tchaikoski fue uno

de los primeros productos del conservatorio de San Petesburgo, antes de convertirse en profesor del de Moscú.

Frente a estos académicos se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y por

Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como El poderoso grupito; los del Conservatorio

trataban desdeñosamente de vocingleros a sus miembros.